亮馬河向東六七里，一路綠籬蜿蜒，海棠繽紛。夾岸數百步，忽逢鉑宮閘，坐落在河畔的“亮馬港灣大廈”黃墻拱窗，盡顯歐式建筑風情。新的藝術空間“土作社”依傍其間，推開它的玻璃門，走進光影里的人們，像是推開了世界的門，流連在高低錯落的黑白攝影作品之間，感受到極致、個性、多元的視覺沖擊。
4月20日，一場別開生面的手工銀鹽大畫幅經典原作展在亮馬港灣土作社畫廊開幕，吸引了眾多攝影愛好者和藝術鑒賞家前來觀賞。此次展覽集結了陳長芬、陳生平、馮建國、何崇岳、辛樹臣、鐘世賢、鐘旭東、朱巖、周潤發（鐘旭東先生收藏）等頂級攝影師的手工銀鹽大畫幅經典原作，甫一亮相，引發關注。
值得一提的是，作為最早在中國使用大畫幅相機、直到現在還在進行創作的攝影師群體，這些作品都是藝術家們親自完成每一個創作步驟，并依據收藏級標準精心制作的限量版作品。他們對黑白攝影的全過程有深刻的感受和體會，其制作材料和工藝可與國際水準相媲美，體現了攝影作品的收藏與藝術價值。從這些代表了中國頂級攝影藝術家的作品中，人們除了能夠深切感受到藝術家運用大畫幅攝影以“術”對事物和景象的記錄、思考，還能夠感受到攝影與歷史、文化、藝術的緊密連接和深刻交融。
原始攝影技術和內心最貼切
什么是手工銀鹽？手工銀鹽，是一種傳統攝影工藝，主要用于黑白攝影過程。它的核心技術在于利用銀鹽（一種主要成分為氯化銀和溶劑的化學物質混合物）的光敏性，在攝影過程中，銀鹽溶液被涂在感光材料上，如膠片或照相紙。當這些材料暴露在光線下時，銀鹽會發生化學反應，形成黑色的銀顆粒，從而記錄下圖像。一般來說，銀鹽工藝包括感光、暗房處理等過程，它要求攝影師在暗房中進行長時間的精心制作，每一步都需要嚴謹的操作和精細的調整。正是這種對技術的極致追求和對藝術的執著堅守，使得手工銀鹽大畫幅作品具有獨特的魅力和價值。
為什么要做這個展覽？“土作社”藝術空間主理人、策展人陳鵬直言，攝影有圈子，收藏有群體，時至今日，大畫幅的忠實擁躉其實遍布世界各地。特別是銀鹽手工生來只有一次機會，就像羅蘭巴特所說：“只發生過一次。”在執著的藝術家或愛好者們看來，更為先進的數字影像系統，甚至AI的迅疾發展，也并沒有完全取代這種對留“真”的執念，以及傳統手工帶來的成就感。“其實這次展覽中有的作品時間很長了，這確實是一個現實，大畫幅藝術家大多不是商業類型的藝術家，他們需要一些時間的積淀，而且基本上拍攝完成進行銷售可能就這一套，他們雖然在行業里很有名，但在社會上呈現得不太多，我就想在這種大眾的空間能階段性地把這些作品呈現出來。另外，藝術家如果經常有一些聚會，可能會給他們帶來一些靈感，我也樂見這樣的交流。”
展覽作品有怎樣的選擇標準？“作品都是藝術家自己挑選的，我只有一個標準，就是大畫幅拍攝、傳統手工制作。他們都是非常成熟的藝術家，一人一個經歷，一人一個想法，一人一個觀點，所以辦這個展我就是把前期工作一定要做好，這個必須要有眼光，要看原作，我只有一條，你就再是名人給我拿過來，東西不靈，我不會選。”專業學古籍修復的陳鵬篤定地說。令陳鵬欣慰的是，現場人們欣賞作品時的那種感動，“格外美好，值得珍視”。
如今，大畫幅銀鹽影像工藝已不再是日常圖像獲取手段，但從現場攝影師熱切的交流能夠感受到，當他們貓著腰，一頭鉆進冠布籠罩的黑暗中，就會不由自主興奮到心跳加速、屏息凝神。那黑色的取景屏像心的鏡窗，外面的景象通過眼睛、大腦發生轉化，直接由“看”到“見”，一方“外面的世界”由此生成“心靈的世界”。正是許多大畫幅攝影師所體會到的獨有美妙，再加上后期沉浸在暗房中晝夜操作的激動與期待，使藝術家們在影像本身的價值與延展中享受到極大的樂趣。
陳鵬認為，沒有攝影術就沒有所謂的“當代”藝術。他舉例說明，影像代替文字和哲學的空白；印象派的看似理性的色彩表現方法，亦無不源于攝影的色彩呈現方法，從梵高、莫奈、馬奈、畢加索等諸多藝術家都沒有逃過攝影的影子。而所謂“當代藝術”離開了攝影更是不可想象的，電影藝術就更別提了，“雖然AI技術更可以延展大眾思維空間，但接近現實的原始攝影技術，是和內心最貼切、最具說服力的展示工具之一！”
周潤發的兩幅《無題》很有味道
一幅巨大的銀鹽作品《水車》懸掛展館正中，畫面細膩，質感真實，令人仿佛置身于攝影師所捕捉的瞬間，如夢如幻。這幅作品的創作者，是大畫幅攝影的領軍人物陳長芬，他謙虛地表示，這些作品是在他在“長城”“日月”等大題材創作之余，斷續隨手“撿”的，“再也沒有（這樣的景象）了。”
凝神細看，巨大的水車滾動著，循環往復，竹林掩映，波光蕩漾，遠山連綿，若隱若現。竹、山、水，是中國傳統文化的重要話題，表現在詩畫文字里都有，而“攝影可以表達情感和觀念，當然自然現象是唯一可考和真實的，不做攝影的后期虛幻的創意，這也是我對攝影的忠誠與致敬！”陳長芬感嘆。
一百多年來，攝影以前所未有的方式，記錄著自然與人類社會生活。上世紀九十年代，當時的《中國攝影家雜志》刊發一系列陳長芬以大畫幅相機拍攝的作品和相關文章，讓讀者感受到細節和完美畫面的魅力，許多攝影家加入到大畫幅拍攝的行列，開啟了中國以大畫幅攝影為載體的藝術創作新時代。“昨天，科技發明給藝術帶來活力；今天，高新技術給藝術帶來沖擊；明天，新的思維將給藝術帶來的又是什么？”彼時，陳長芬就提出這樣的追問和思考，他認為，未來的科學技術主宰著人類的前途和命運，當代藝術家對此應該有所了解和思考，藝術作品也應該以此作為“時代感”的一個重要標志。只有這樣，才能有機地去借鑒、繼承和發揚民族的傳統文化和藝術。
本次展覽亮點，要數鐘旭東收藏的周潤發《無題1》《無題2》，都是獨版一張，十分稀罕。它們不僅展現了周潤發運用大畫幅攝影對靜物的記錄和思考，也表達了他對藝術的獨特理解和感悟。作為周潤發的好友，鐘旭東直言，“我來北京搞攝影，作為朋友他送了我這兩幅作品。周潤發的第一個工作是在一個相機店當伙計，他偏愛黑白攝影，對大畫幅情有獨鐘，認為黑白照片很有味道。他后來參加香港無線電視臺的藝員訓練班，開始進入演藝行當，被人們熟知。他出去拍照有點問題，總被圍觀，所以他早年拍了很多靜物。他親手沖洗照片，連沖洗藥水都是專門從美國訂購。這兩幅作品都是孤品，只做了一張。”在鐘旭東看來，“周潤發之所以獲得成功，演技之外，還是跟他為人處世有關。他生活很簡樸，他自己說，我就是一個香港土生土長漁民的孩子。他多次將攝影作品進行義賣，所得善款用于支持各種慈善事業。”周潤發對構圖、光線和色彩的敏銳把握，令觀者贊嘆不已，有一種陳年老物、歷久彌香的味道。
攝影距離收藏有多遠？在陳長芬看來，我們民族深厚的收藏意識和良好傳統，意味著未來我國攝影藝術收藏市場的巨大潛力，更重要的是，我們得天獨厚的攝影資源將為國際攝影作品收藏市場提供一個寬闊的平臺，并由此產生無窮的魅力。“21世紀應該是一個包容的時代，在藝術領域中，各種流派、風格和表現手法等等更能容易找到各自的自由空間。以我們優秀的傳統文化做根基，加上先進的現代文明觀念，再加上超前意識的思考，就可以蘊造一個巨大的‘藝術能量’（藝能），創作出無愧于新世紀的偉大作品。”
我的作品就是我生命的另一面
在現場，《金庸題詞碑》《沈從文題詞碑》等人文作品吸引了不少年輕觀眾，作者陳生平專門從張家界趕來與大家交流。他坦言自己從小就生活在張家界，19歲參加工作就在張家界景區。20歲那年報名去照相館學攝影，他拍攝的很多張家界的宣傳照片，至今在網上傳播。2005年接觸互聯網以后，閱讀西方攝影史給他帶來很多啟發，他開始學布列松、亞當斯……不斷溯源，搭建起自我的學習體系，沉浸其中，樂此不疲。
后來，陳生平敏銳地捕捉到被人們所忽略的自然風景背后的“人造的風景”，逐漸明確了探索方向“張家界之自然空間與人的關系”。為什么叫“人造的風景”？他坦言，上世紀八十年代張家界還是一片相對原始的自然狀態，40多年來隨著社會進步、時代發展，張家界由一座不名之山變成了舉世矚目的世界自然遺產地——武陵源。在這個過程中就產生了很多故事，比如早期游客在巖石上的涂鴉形成一道風景、很多文化名人的題詞刻碑等等，形成了風景中的風景；還有一些走紅網絡的打卡點，比如86版西游記三打白骨精的取景地，很多人去找孫悟空捉白骨精的那棵樹、當年飛佛經的石頭，景區也鋪上了石板，石頭也刻上了金鞭巖，成為一個熱門景點。“這些人參與其中留下的痕跡已經形成了一個文化的現象，它其實是一個社會的縮影，值得去記錄。在我的鏡頭里，人是退場的，雖然看不到人，但是處處都體現著人的存在。比如當時做金庸題字碑的時候，我就是參與者。所以隨著我拍攝題材的深入，我關注到人工化的自然——它跟荒野的自然是有區別的，我覺得所有這些還原到人，為游客服務的風景，它有創造的價值。”
20年來，陳生平始終把鏡頭對準張家界，在他看來攝影創作分為三個階段：看山是山；看山不是山；看山還是山。“我現在就是看山不是山的階段，后面還要盡可能到看山還是山，這就太難了。有時候想一想，我真的很幸運，3.8億年以前，張家界還是一片汪洋，后來經歷不斷的造山運動，1.8億年前，這些巖石發生斷裂變形，內部形成很多節理和裂隙。雨水的切割，自然的力量一直都在改變著它們，張家界的山不斷在發生著分化，但是這些山的方方面面、邊邊角角，甚至它里面的內部結構、石英砂巖我都去拍過。從攝影來講，它就是我生命最重要的一部分，我的作品就是我的生命的另一面。人們看到這些影像，都是我生活經歷過的東西，是我對張家界的認識，是我對它的一個生命的感悟。”
大畫幅相機與原作對話復古而神秘
來到現場的攝影師和觀眾探討、交流，大家互相學習、切磋，氣氛十分熱烈。
畫廊一隅，靜靜放置著一架古樸典雅的古典攝影器材，令人眼前一亮。原來，這是收藏家路萬江收藏的一臺19世紀末生產的蒙托克相機。單看它固定基座的木制機身、黑色真皮的皮腔，一種復古氣息撲面而來。
陳鵬介紹道，為了提高觀眾的參與和體驗，讓大家能夠對手工銀鹽大畫幅攝影藝術有更深的理解和認識，這次手工銀鹽大畫幅經典原作展期間，還特別邀請了古典相機收藏家路萬江先生舉辦沙龍講座，講述世界古典相機發展史，帶領大家走進古典相機的世界，在攝影發展的歷史中感受攝影的生命力所在。
“大畫幅相機最早起源于早期畫家們使用的繪畫暗箱，時至今日，大畫幅相機仍然繼承著早期的設計風格，基本結構仍然是鏡頭+鏡箱+片夾，沒有什么大的改變。只不過朋友們現在通常使用的大畫幅相機，如果從機身結構上講，只是更加接近19世紀中后期的平板外拍機罷了。由于大畫幅相機（現在也叫技術相機）所具有的大底片、高清晰度的優點，使其始終在攝影專業領域一枝獨秀。即使在進入數碼時代的今天，大畫幅相機又率先裝備了高級數碼后背，繼續占據著高端攝影領域。可以說，大畫幅相機在今后很長的日子里還將繼續發揮不可替代的作用。”聊到大畫幅相機的早期歷史，路萬江總是滔滔不絕、如數家珍。
夕陽西下，春風吹皺一灣河水，過去、當下，交織在眼前。現如今，國際范兒十足的亮馬河地區已經成為北京文化新地標，許多年輕人熱衷來此休閑、打卡，一些時尚、復古、獨特的文化活動，正在得到更多人的關注和喜愛，它們不僅豐富了市民的文化生活，也為亮馬港灣增添了新的活力。
亮馬河向東六七里，一路綠籬蜿蜒，海棠繽紛。夾岸數百步，忽逢鉑宮閘，坐落在河畔的“亮馬港灣大廈”黃墻拱窗，盡顯歐式建筑風情。新的藝術空間“土作社”依傍其間，推開它的玻璃門，走進光影里的人們，像是推開了世界的門，流連在高低錯落的黑白攝影作品之間，感受到極致、個性、多元的視覺沖擊。
4月20日，一場別開生面的手工銀鹽大畫幅經典原作展在亮馬港灣土作社畫廊開幕，吸引了眾多攝影愛好者和藝術鑒賞家前來觀賞。此次展覽集結了陳長芬、陳生平、馮建國、何崇岳、辛樹臣、鐘世賢、鐘旭東、朱巖、周潤發（鐘旭東先生收藏）等頂級攝影師的手工銀鹽大畫幅經典原作，甫一亮相，引發關注。
值得一提的是，作為最早在中國使用大畫幅相機、直到現在還在進行創作的攝影師群體，這些作品都是藝術家們親自完成每一個創作步驟，并依據收藏級標準精心制作的限量版作品。他們對黑白攝影的全過程有深刻的感受和體會，其制作材料和工藝可與國際水準相媲美，體現了攝影作品的收藏與藝術價值。從這些代表了中國頂級攝影藝術家的作品中，人們除了能夠深切感受到藝術家運用大畫幅攝影以“術”對事物和景象的記錄、思考，還能夠感受到攝影與歷史、文化、藝術的緊密連接和深刻交融。
原始攝影技術和內心最貼切
什么是手工銀鹽？手工銀鹽，是一種傳統攝影工藝，主要用于黑白攝影過程。它的核心技術在于利用銀鹽（一種主要成分為氯化銀和溶劑的化學物質混合物）的光敏性，在攝影過程中，銀鹽溶液被涂在感光材料上，如膠片或照相紙。當這些材料暴露在光線下時，銀鹽會發生化學反應，形成黑色的銀顆粒，從而記錄下圖像。一般來說，銀鹽工藝包括感光、暗房處理等過程，它要求攝影師在暗房中進行長時間的精心制作，每一步都需要嚴謹的操作和精細的調整。正是這種對技術的極致追求和對藝術的執著堅守，使得手工銀鹽大畫幅作品具有獨特的魅力和價值。
為什么要做這個展覽？“土作社”藝術空間主理人、策展人陳鵬直言，攝影有圈子，收藏有群體，時至今日，大畫幅的忠實擁躉其實遍布世界各地。特別是銀鹽手工生來只有一次機會，就像羅蘭巴特所說：“只發生過一次。”在執著的藝術家或愛好者們看來，更為先進的數字影像系統，甚至AI的迅疾發展，也并沒有完全取代這種對留“真”的執念，以及傳統手工帶來的成就感。“其實這次展覽中有的作品時間很長了，這確實是一個現實，大畫幅藝術家大多不是商業類型的藝術家，他們需要一些時間的積淀，而且基本上拍攝完成進行銷售可能就這一套，他們雖然在行業里很有名，但在社會上呈現得不太多，我就想在這種大眾的空間能階段性地把這些作品呈現出來。另外，藝術家如果經常有一些聚會，可能會給他們帶來一些靈感，我也樂見這樣的交流。”
展覽作品有怎樣的選擇標準？“作品都是藝術家自己挑選的，我只有一個標準，就是大畫幅拍攝、傳統手工制作。他們都是非常成熟的藝術家，一人一個經歷，一人一個想法，一人一個觀點，所以辦這個展我就是把前期工作一定要做好，這個必須要有眼光，要看原作，我只有一條，你就再是名人給我拿過來，東西不靈，我不會選。”專業學古籍修復的陳鵬篤定地說。令陳鵬欣慰的是，現場人們欣賞作品時的那種感動，“格外美好，值得珍視”。
如今，大畫幅銀鹽影像工藝已不再是日常圖像獲取手段，但從現場攝影師熱切的交流能夠感受到，當他們貓著腰，一頭鉆進冠布籠罩的黑暗中，就會不由自主興奮到心跳加速、屏息凝神。那黑色的取景屏像心的鏡窗，外面的景象通過眼睛、大腦發生轉化，直接由“看”到“見”，一方“外面的世界”由此生成“心靈的世界”。正是許多大畫幅攝影師所體會到的獨有美妙，再加上后期沉浸在暗房中晝夜操作的激動與期待，使藝術家們在影像本身的價值與延展中享受到極大的樂趣。
陳鵬認為，沒有攝影術就沒有所謂的“當代”藝術。他舉例說明，影像代替文字和哲學的空白；印象派的看似理性的色彩表現方法，亦無不源于攝影的色彩呈現方法，從梵高、莫奈、馬奈、畢加索等諸多藝術家都沒有逃過攝影的影子。而所謂“當代藝術”離開了攝影更是不可想象的，電影藝術就更別提了，“雖然AI技術更可以延展大眾思維空間，但接近現實的原始攝影技術，是和內心最貼切、最具說服力的展示工具之一！”
周潤發的兩幅《無題》很有味道
一幅巨大的銀鹽作品《水車》懸掛展館正中，畫面細膩，質感真實，令人仿佛置身于攝影師所捕捉的瞬間，如夢如幻。這幅作品的創作者，是大畫幅攝影的領軍人物陳長芬，他謙虛地表示，這些作品是在他在“長城”“日月”等大題材創作之余，斷續隨手“撿”的，“再也沒有（這樣的景象）了。”
凝神細看，巨大的水車滾動著，循環往復，竹林掩映，波光蕩漾，遠山連綿，若隱若現。竹、山、水，是中國傳統文化的重要話題，表現在詩畫文字里都有，而“攝影可以表達情感和觀念，當然自然現象是唯一可考和真實的，不做攝影的后期虛幻的創意，這也是我對攝影的忠誠與致敬！”陳長芬感嘆。
一百多年來，攝影以前所未有的方式，記錄著自然與人類社會生活。上世紀九十年代，當時的《中國攝影家雜志》刊發一系列陳長芬以大畫幅相機拍攝的作品和相關文章，讓讀者感受到細節和完美畫面的魅力，許多攝影家加入到大畫幅拍攝的行列，開啟了中國以大畫幅攝影為載體的藝術創作新時代。“昨天，科技發明給藝術帶來活力；今天，高新技術給藝術帶來沖擊；明天，新的思維將給藝術帶來的又是什么？”彼時，陳長芬就提出這樣的追問和思考，他認為，未來的科學技術主宰著人類的前途和命運，當代藝術家對此應該有所了解和思考，藝術作品也應該以此作為“時代感”的一個重要標志。只有這樣，才能有機地去借鑒、繼承和發揚民族的傳統文化和藝術。
本次展覽亮點，要數鐘旭東收藏的周潤發《無題1》《無題2》，都是獨版一張，十分稀罕。它們不僅展現了周潤發運用大畫幅攝影對靜物的記錄和思考，也表達了他對藝術的獨特理解和感悟。作為周潤發的好友，鐘旭東直言，“我來北京搞攝影，作為朋友他送了我這兩幅作品。周潤發的第一個工作是在一個相機店當伙計，他偏愛黑白攝影，對大畫幅情有獨鐘，認為黑白照片很有味道。他后來參加香港無線電視臺的藝員訓練班，開始進入演藝行當，被人們熟知。他出去拍照有點問題，總被圍觀，所以他早年拍了很多靜物。他親手沖洗照片，連沖洗藥水都是專門從美國訂購。這兩幅作品都是孤品，只做了一張。”在鐘旭東看來，“周潤發之所以獲得成功，演技之外，還是跟他為人處世有關。他生活很簡樸，他自己說，我就是一個香港土生土長漁民的孩子。他多次將攝影作品進行義賣，所得善款用于支持各種慈善事業。”周潤發對構圖、光線和色彩的敏銳把握，令觀者贊嘆不已，有一種陳年老物、歷久彌香的味道。
攝影距離收藏有多遠？在陳長芬看來，我們民族深厚的收藏意識和良好傳統，意味著未來我國攝影藝術收藏市場的巨大潛力，更重要的是，我們得天獨厚的攝影資源將為國際攝影作品收藏市場提供一個寬闊的平臺，并由此產生無窮的魅力。“21世紀應該是一個包容的時代，在藝術領域中，各種流派、風格和表現手法等等更能容易找到各自的自由空間。以我們優秀的傳統文化做根基，加上先進的現代文明觀念，再加上超前意識的思考，就可以蘊造一個巨大的‘藝術能量’（藝能），創作出無愧于新世紀的偉大作品。”
我的作品就是我生命的另一面
在現場，《金庸題詞碑》《沈從文題詞碑》等人文作品吸引了不少年輕觀眾，作者陳生平專門從張家界趕來與大家交流。他坦言自己從小就生活在張家界，19歲參加工作就在張家界景區。20歲那年報名去照相館學攝影，他拍攝的很多張家界的宣傳照片，至今在網上傳播。2005年接觸互聯網以后，閱讀西方攝影史給他帶來很多啟發，他開始學布列松、亞當斯……不斷溯源，搭建起自我的學習體系，沉浸其中，樂此不疲。
后來，陳生平敏銳地捕捉到被人們所忽略的自然風景背后的“人造的風景”，逐漸明確了探索方向“張家界之自然空間與人的關系”。為什么叫“人造的風景”？他坦言，上世紀八十年代張家界還是一片相對原始的自然狀態，40多年來隨著社會進步、時代發展，張家界由一座不名之山變成了舉世矚目的世界自然遺產地——武陵源。在這個過程中就產生了很多故事，比如早期游客在巖石上的涂鴉形成一道風景、很多文化名人的題詞刻碑等等，形成了風景中的風景；還有一些走紅網絡的打卡點，比如86版西游記三打白骨精的取景地，很多人去找孫悟空捉白骨精的那棵樹、當年飛佛經的石頭，景區也鋪上了石板，石頭也刻上了金鞭巖，成為一個熱門景點。“這些人參與其中留下的痕跡已經形成了一個文化的現象，它其實是一個社會的縮影，值得去記錄。在我的鏡頭里，人是退場的，雖然看不到人，但是處處都體現著人的存在。比如當時做金庸題字碑的時候，我就是參與者。所以隨著我拍攝題材的深入，我關注到人工化的自然——它跟荒野的自然是有區別的，我覺得所有這些還原到人，為游客服務的風景，它有創造的價值。”
20年來，陳生平始終把鏡頭對準張家界，在他看來攝影創作分為三個階段：看山是山；看山不是山；看山還是山。“我現在就是看山不是山的階段，后面還要盡可能到看山還是山，這就太難了。有時候想一想，我真的很幸運，3.8億年以前，張家界還是一片汪洋，后來經歷不斷的造山運動，1.8億年前，這些巖石發生斷裂變形，內部形成很多節理和裂隙。雨水的切割，自然的力量一直都在改變著它們，張家界的山不斷在發生著分化，但是這些山的方方面面、邊邊角角，甚至它里面的內部結構、石英砂巖我都去拍過。從攝影來講，它就是我生命最重要的一部分，我的作品就是我的生命的另一面。人們看到這些影像，都是我生活經歷過的東西，是我對張家界的認識，是我對它的一個生命的感悟。”
大畫幅相機與原作對話復古而神秘
來到現場的攝影師和觀眾探討、交流，大家互相學習、切磋，氣氛十分熱烈。
畫廊一隅，靜靜放置著一架古樸典雅的古典攝影器材，令人眼前一亮。原來，這是收藏家路萬江收藏的一臺19世紀末生產的蒙托克相機。單看它固定基座的木制機身、黑色真皮的皮腔，一種復古氣息撲面而來。
陳鵬介紹道，為了提高觀眾的參與和體驗，讓大家能夠對手工銀鹽大畫幅攝影藝術有更深的理解和認識，這次手工銀鹽大畫幅經典原作展期間，還特別邀請了古典相機收藏家路萬江先生舉辦沙龍講座，講述世界古典相機發展史，帶領大家走進古典相機的世界，在攝影發展的歷史中感受攝影的生命力所在。
“大畫幅相機最早起源于早期畫家們使用的繪畫暗箱，時至今日，大畫幅相機仍然繼承著早期的設計風格，基本結構仍然是鏡頭+鏡箱+片夾，沒有什么大的改變。只不過朋友們現在通常使用的大畫幅相機，如果從機身結構上講，只是更加接近19世紀中后期的平板外拍機罷了。由于大畫幅相機（現在也叫技術相機）所具有的大底片、高清晰度的優點，使其始終在攝影專業領域一枝獨秀。即使在進入數碼時代的今天，大畫幅相機又率先裝備了高級數碼后背，繼續占據著高端攝影領域。可以說，大畫幅相機在今后很長的日子里還將繼續發揮不可替代的作用。”聊到大畫幅相機的早期歷史，路萬江總是滔滔不絕、如數家珍。
夕陽西下，春風吹皺一灣河水，過去、當下，交織在眼前。現如今，國際范兒十足的亮馬河地區已經成為北京文化新地標，許多年輕人熱衷來此休閑、打卡，一些時尚、復古、獨特的文化活動，正在得到更多人的關注和喜愛，它們不僅豐富了市民的文化生活，也為亮馬港灣增添了新的活力。
本文鏈接：在亮馬港灣，邂逅一場黑白攝影藝術盛宴http://www.lensthegame.com/show-6-7535-0.html
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